普段の練習では、ほぼ100%完璧に弾けるのに本番(ライブ等)では60%の精度になってしまう事はよくあります。練習と同じ様に弾ければよいのに緊張の為ミスが多くなったり、場合によっては失念してしまうことも有ります。これらはほぼ緊張が影響しています。では緊張を無くすトレーニングは無いのでしょうか。私は、本番等で全く緊張しないと言う事は無いと考えます。(程度の差はありますが。)さらに、全く緊張しない演奏と言うはよくありません。緊張感が無い為、うっかりミスをしたり、合図などを聞き逃したり(見逃したり。)します。
程よい緊張感がベストです。では解決方法ですが、1つは「場慣れ」です。人前で弾く機会を多く作り、自分の中でデータ化します。「今回はこれくらいの緊張だからまあ、80%は弾けるだろ。」と言う様な計算が出来る様になって来ます。
ギターが上手くなると、自分の演奏を発信したい気持ちが芽生えます。最初は自分の中で納得し完結していたはずなのに、いつの日か外に向かうようになります。それは
ライブと言う形だったり、ユーチューブだったり、ホームパーティーだったりと。
演奏家にとって人前で演奏することはとても大事な事です。
ここではっきり言いましょう。「演奏者の実力は、人前で演奏した時にわかる。」と言うことです。
これは、一人でプレッシャーの無い状態で完璧に弾けたとしてもそれでは不十分だと言うことです。実力がある人は緊張やプレッシャーがあっても合格点の演奏をするものです。
2018.06.17 レパートリー
「レパートリーを充実させましょう。」
これは私が生徒さんによく言っている言葉です。ここで言うレパートリーとは、「練習無しですぐ弾ける曲。」と言うことです。中級者位の生徒さんでも「すぐ弾ける曲は1曲位。」なんてことも多く聞きます。クラシックギターの場合、仕上がった曲は弾かなくなりすぐ忘れてしまう事など普通に有ることです。そこで私が薦めいるのが「レパートリーファイル」と言う物です。これは、レパートリーにしたい曲の譜面をクリアファイルに入れておくだけです。こうすることにより、自分がレパートリーにしたい曲が具体的になり、ある種の目標が出来ます。ただ漫然と過去にやった曲を弾くより「この曲はレパートリーにするぞ!」と言う意識決定が大事です。
JAZZのスタンダードをレパートリーにするやり方も基本的に同じです。JAZZの場合、コードは勿論メロディも暗譜していなければレパートリーとは言えません。
2018.06.16 練習と孤独
私はよく「ギターが上手なるコツありますか?」等の質問を受けるのですが、その答えの一つとして、「いかに孤独に耐えられるか。」と言う解答を用意しています。
楽器の練習は本来、孤独な作業です。これは他の芸事にも当てはまります。アスリートも然りです。ですから楽器と自分の一対一の時間が長ければ長いほど目標に近づく事が出来るはずです。しかし誘惑が多いのも事実です。いかに誘惑に負けず楽器と接する時間を確保できるかが一つの解答になるでしょう。そういえば、こんなエピソードを思い出しました。(体験談です。)
昔、クラシックギターのレッスンに通っていたある日、スラーを伴ったフレーズが上手く弾けず、師匠に質問しました。「ここが上手く弾けないんです。」すると師匠は「ここは、こう。」と、さりげなく、本当にさりげなく弾かれました。その刹那、私の中で、言葉で例えるなら「畏怖」又は「恐れ」のような感情が湧き上がりました
。それは「このフレーズをこんなに完璧に弾くために、費やした膨大な時間。そして孤独を耐えてきた時間。」私は自分の練習の甘さを思い知りました。
ピックの形には、おもにティアドロップ型と、三角ピックがあります。硬さもそれぞれです。基本的には好みで選んで構わないと思います。ただ初心者の方には「ミディアム」のピックを勧めています。(形は好み)
ピックには大雑把に分けて「ソフト」「ミディアム」「ハード」「エキストラハード」の4タイプが有ります。それぞれ硬さが違います。硬さと言うのは、ピックのしなりに関係します。「ハード」以上のピックだとほとんどしならず、ピッキングの力加減(強弱)がダイレクトに伝わります。一方で「ミディアム」以下だとピックがしなるので、多少ピッキングの均等化の補助になっています。それとピックの先端の形状も音にかなりの影響を与えます。尖っていると、立ち上がりの鋭い音、丸まっていると、あまく柔らかな音、など、ほんの少しの差でかなり音が変わります。「自分の音を変えたい。」と思った時は、いろいろなエフェクターなどを試すよりピックを変えるのも一つの選択肢です。
ピックについては、珍しい形や、一般的に出回っていないのは避けた方がいいです。無くしていざ購入しようとしても入手できない事がよく有ります。(経験済。)
6月に入って気温も上がり半袖を着ることが多くなりがちです。ここで問題になるのが、「クラシックギターを弾く時、半袖だと右腕がギターにくっついて弾きづらい。」と言うことです。これは初心者の方ですとそれほど問題では無いです。しかしある程度のレベルになると問題になります。それは「右手(右腕)は、演奏中動かす。」からです。演奏者は音色を変える為に右手(右腕)の位置を変えます。簡単に言うと、フレット側で弾くと柔らかく、逆だと硬くなります。本来、クラシックギターは長袖で弾く物なのです。因みに私のクラシックギターの師匠はレッスンの時、常に長袖でした。(真夏でも、、。)そういうこだわりは、見習いたいと思います。
ただ、今では腕に通すサポーターもありますし、(ギター専用もあります。)100均などでも腕に通す事務用の腕カバーの様な物もあります。
(日焼けカバーのような物もあります。)
このような物でも充分代用になります。
エレキギターは以外と重量があります。ストラップをすると片方の肩にギターの重量がすべてかかるので以外と負担になります。そこで幅広い物がおすすめです。幅が広いか、狭いかで肩の負担がかなり違います。素材も皮や布などいろいろです。
ストラップは長く使うとかなり汚れます。布製だとかなり汚れが目立ちます。(フェンダーの布製のストラップなど。特に白っぽい物。)
それと一番大事な事は、「ストラップは消耗品。」と言うことです。特に確認しておきたい場所として、「ストラップピンを通す穴。」この場所はギターの重さがピンポイントでかかります。(特にボディ側の方。)したがって、いつの間にか亀裂が入っていたり、穴が劣化により広がっていたりして、最悪ギターが落ちてしまう事があります。(私も何度か経験しています。以外とよくある事です。)目視では不充分なのできちんと確認しましょう。(ギターを買った時に付属品.サービス品として付いてくるストラップの中にはこの部分の強度が非常に弱い物があるので要注意です。)
ストラップの長さについては、いろいろな意見があると思います。私は、座った時と、立った時でギターの高さが同じ状態がベストだと考えていました。これだと立った時のハンディがあまり無いからです。しかし、見た目的には、立った時かなりギターの位置が高くなります。ですから「カッコ悪い。」と言う意見に晒される事があるかもしれません。
ストラップの長さはJAZZ系の人はあまり気にしないですが、ロック系の人はかなり気にします。「見かけよりも弾きやすい方が大事。」と、私も思った時期もありましたが、今ではそれは誤りだと思っています。(程度の差は有りますが。)
生の演奏と言うは、音だけではなく、その人の立ち振る舞いや、ちょとした仕草、トーク、衣装など、音以外のことも記憶に残り、その演奏者をイメージする重要な要素となります。もちろん音が大事なのは当たり前です。ただ、「自分の演奏の見た目。」と言うは、演奏者にとって自己表現の大事な要素です。
私は、エレキギターを弾く時は座っている時でもストラップをしています。背中、腰、首の疲労がかなり軽減します。ストラップをしないと、どうしても前屈みになり、特に腰の負担が増加します。短時間なら問題ないのでしょうが、私のようにレッスンで何時間もギターを構えている状態が続くと深刻な問題になり兼ねません。元々、人間の手は縦の物を掴む方が楽です。(チェロ、コントラバスなど。)
ギターの場合、横の物を掴む状態になり、かつ逆手になり2重に大変です。ですからストラップをして、ネックのヘッドを上に挙げる型が負担の少ないフォームとなります。足台等を使う、クラシックギターの構えは負担の少ない典型的なフォームとなります。(足台がベストと、言う訳ではありません。)
ギターの弦を引き上げ音程を上げることを、チョーキングと言います。注意点としては「音程が上がりきってない。」と言うことです。通常のチョーキングは、1音上げます。1音と言うのは2フレット分です。初心者の方ですと、まだ指の筋力があまり無く音程が上がりきらないことがよくあります。それと左手の親指がネックの上にでないクラシックフォームだと、指の力だけで上げることになる為大変です。チョーキングに関しては親指をネックの上にだし、にぎるようなフォームが有利です。(手首の力を使えます。)チョーキングの音程を正確にするには、チョーキングする2フレット上の音を最初に出し、その音に合うようにチョーキングします。(10フレットをチョーキングする場合、12フレットの音を出し、その音を記憶し、それと同じ音程になるように10フレットをチョーキングします。)しばらくこの練習を続けて行くと、どれくらい上げれば正確な音程になるかを耳と指が覚えます。
チューニングメーターを購入する時、薦めているのが「クリップ式のチューナー」です。シールドを繋ぐタイプやスマホのアプリなど音叉でも良いのですが、クリップ式が今のところベストです。ギターは温度などでチューニングが狂いやすく、頻繁にチューニングしなければいけません。
まず重要なのが「すぐチューニングできること、面倒くさくない、」と言うことです。私はクリップ式チューナーはある程度
ギターにつけっぱなしで構わないと思います。とにかく、「しょっ中、チューニングする。」と言う癖を付けることが大事です。(チューナーはKORGが有名。)
ウクレレでメロディなど弾く時、右手はおもにp(親指)を使います。コードを弾く時もp(親指)を使います。i(人差し指)もしくはm(中指)を使う事もあります。pの指は器用な指なので演奏上問題ありません。しかしながら教室では、m.iのアライレもしくはアポヤンドの練習を必ず入れています。最終的にはa(薬指)も使えるようにし、結果的にp.i.m.aすべて使えるように進めています。p.単独より、スピードはm.iの方が有利ですし、2声や3声のフレーズなどでも有効だからです。ボサノバ等の伴奏にも有効です。
アンサンブル等で合わせる時、和声やリズム、メロディなどが合っていても、土台になるビート(拍)の感じ方がそれぞれ違っていたら、微妙な違和感が有ります。(俗に言う、ノリが合わない。)ラテン系の曲などは、2拍子の曲が多いので注意が必要です。(漫然と4拍子で演奏してしまう事が多いです。)それと重要なのが「拍は均一ではない。」と言うことです。ポピュラー等の楽曲などは拍がきっちりしていますが、拍が伸び縮みする音楽は沢山有ります。(クラシック等。要するにメトロノームなどで合わせ辛い。)それと、機械的リズムがメロディを伴い音楽的な節になり(メロディを歌わる。)拍を伸ばしたりします。
「メトロノームに合わせる練習は重要ですが、自分のビート感覚はもっと重要です。」
リズムは楽譜上に表記できるので比較的理解しやすいです。ビートの場合、楽譜上に4分の4拍子とあってもその本質を捕まえるのは難しいです。なぜならビートは「感じる」ものだからです。ビートを実行すると、強弱が発生します。(音量ではなく心理的な強弱。)これは、強、弱、中強、弱、のパターンに感じます。たとえば、メトロノームを鳴らします。(音量は均一。)そして音に合わせて1、2、3、4、とカウントをしばらく続けます。次にカウントをやめてみます。するとカウントをやめても1、2、3、4、と言うビートが聞こえくるはずです。これは心理的強弱が発生し、4つのサイクルが出現したと言うことです。
混合して使われる用語に「リズムとビート」があります。リズムとビートは別物です。教室では、リズム→「メロディのかたちや伴奏のパターンなど。」ビート→「基本的に、拍。」と位置付けています。たとえば「8ビート」と言うは間違いで本来なら「8リズム」が正解です。なぜなら、4拍子と言うビート(拍)上に8分音符のリズムが乗っているからです。ビートはあくまで4つです。「リズムが苦手。」と言う言葉をよく聞きますが、簡単に言えばリズムとは、その場所(タイミング)で音を出す、または出さない。と言う機械的な作業に近いです。ですから、反復したり、スローでやったり、覚えてしまったりして、トレーニングすれば克服出来ます。(音楽的なリズムは後日。)
一昔前のアドリブ練習(ギター)というと、自分で伴奏を録音してそれに合わせたり、シーケンサー(Yamaha QYシリーズ)などを使って練習していました。Yamaha QY-100などは今でもレッスンでもよく使います。(リズムのみ。) 後に画期的なソフト「I Real Pro」が現れアドリブの練習は格段にやり易くなりました。特にジャズギターの生徒さんにはこのソフト、薦めています。注意事項としては、ソロの練習が中心になりバッキングが疎かになりがちです。アドリブの練習というのはコードやリズムの上で展開した方が遥かに分かり易く、練習し易いです。なお、上級者になると頭の中でコードが鳴っているので伴奏の助けが無くても具体的なソロを構築できます。

クラシックギターは通常左足を足台にのせて演奏します。ギターの構えが良くなり演奏がし易くなります。しかしながら両足の高さが異なる状態になるので、腰を痛めることも多いです。私も10年位前から足台を使っていません。代わりに「ギターレスト」や「ギターサポート」(足台の代用品)などを使ってきました。今の時点では「エルゴプレイ」がベストです。これらの足台の代用品の弱点は、ややギターが安定しないことです。(演奏中ギターが少し動くこと。慣れれば問題なし。)足台を否定している訳では無いのですが腰痛を持っている方には、足台の代用品、特に「エルゴプレイ」を薦めています。
ピッキングの基本は、ピックを上、下に振るオルタネイトピッキングです。教室でもスケール、カッティング等は必ずオルタネイトピッキングでやっています。ただし弦の移動がある場合不利になるときがあります。例えば3連で、3弦2弦1弦、また3弦2弦1弦、と続く場合、オルタネイトだと(ダウン、アップ、ダウンと、アップ、ダウン、アップ、)2つのパターンができてしまいます。そこで有効なのがダウン、ダウン、アップ、のパターンです。これだと1つのパターンだけとなります。(1弦、2弦、、3弦の連続だとアップ、アップ、ダウン、)
ピッキングには「ダウン、アップ、ランダム。」 「フレーズによって使い分ける。」 「基本ダウン中心で弾く。」等、様々です。
いずれにしろピッキングの基本はオルタネイトピッキングなので先ずはこれをマスターしましょう。


今ではJAZZのスタンダードの譜面は出回っていますが、すこし前まではほとんどありませんでした。あったとしとても、和声的に合っているがアドリブがやりづらかったり、コード付けが細かすぎたりして演奏が困難でした。。当時は師匠や先輩にメロ、コード進行など、教えてもらったりしていました。
中でも「REAL BOOK」は信頼性のある楽譜でした。(値段が高い。) 次によく使っていたのが「ジャズスタンダードハンドブック」(俗に言う青本。)今の標準が「ジャズスタンダードバイブル」です。
自分がリーダーとして演奏するのであればどんな楽譜でも構わないと思います。メンバーが「この曲こんなコードで演奏するの?」
等の意見があるかもしれませんが、自分がリーダーなら許されるでしょう。
スタンダード等楽譜は「ジャズスタンダードバイブル」(インスト)が業界標準になるでしよう。