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こんにちは。
今回は前回の続きになります。「コードトーン」の第2弾になります。
今回は「コードトーン実践編」になります。
ちなみに1つのコードが何小節続く曲と1小節位でコードが変わっていく曲とでは難易度がまるで違います。今回は後者の「1小節でコードが変わる曲」という前提で解説していきます。(とりあえず1小節ずつでCM7、A7、Dm7、G7の4小節の繰り返しのコード進行を想定して下さい)
ちなみに「コードトーン」のみで弾くのではなく「スケール」や「断片的なフレーズ」を併用するという事で進めていきます。
ではポイントです。


1、「コードトーン」は押さえているコードから導いていく!

「コードトーン」が指板上で見えるという事は「押さえているコードを通して見える」という事です。ですから、単にルート音が見え、そこを起点に見えていくのではありません。押さえたコードの周りにドットが光る様な感じで「コードトーン」が見えるとベストです。


2、3度と7度が重要!

CM7の様な4声の和音の例だと、1度はド、3度はミ、5度はソ、7度はシとなります。この中で重要な音は3度のミと、7度のシの音です。この二つの音があれば和声を確定で出来ます。ですからこの二つの音を優先的に使うようにしましょう。ちなみに「ツーファイブ」の場合、Ⅱ-7の3度の音とⅤ7の7度の音が同じという事は把握しておきましょう。(Dm7、G7のツーファイブの場合Dm7の3度はファ、G7の7度もファ)


3、まずは「フレーズの出だしはコードトーン」という縛りを想定!

流れいくフレーズの中程で「コードトーン」を使うのは以外と難しいです。まずは出だしで使いましょう。
「出だしはコードトーンでスケールに移行」という感じです。


4、フレーズの終わりの音をそのコードの「コードトーン」で終わらす!

これは俗に「解決音」と言います。(Ⅴのコードのフレーズが次のⅠのコードの「コードトーン」で終わる意)
これは最初はかなり難しいです。あらかじめ「この音に解決する」というのを決めておき、練習することが必要です。
この練習をしておくと目当ての音に上手く繋ぐコツが掴めていきます。(ターゲットノートとも言います)
ポイントは今弾いているコードではなく次に到達するコードを意識します。

5、長い音符はコードトーン!

これもよく言われてる事です。
長い音符は嫌でも意識してしまう音です。ですから「コードトーン」を使いバックで鳴っている和声との調和感を強調しましょう。

まとめ


要するにフレーズが繋がっている場合、途中の音はなんでもいいのです。(笑)
止まった音、もしくは長く伸ばしている音こそが重要です、ここに「コードトーン」を使うのです。

「コードトーン」を上手く使うのはかなり難しいです。何度も練習して「自分のフレーズ化」(即興ではなく、フレーズとして作成するの意)にしていくのがベストかもしれません。

また次回^_^
こんにちは。
今回は「コードトーン」について考えていきます。
例えば、あるコード上でアドリブを弾いたとします。「なんか、しっくりこないなぁ」と思う場合、「コードトーン」の意識が足りない事があります。
要するに音階的なラインに偏りがちになり、そのライン(フレーズ)からコード感が聞こえこない状態と言う訳です。
ただ例外もあり「ブルース」(3コード系)などは「コードトーン」を意識しなくても音楽的に充実しています。何故なら「ブルース」で使う「ブルーノートペンタトニックスケール」というスケールはスケール自体にブルースフィーリングが有り、特にコードトーンの助けが無くても充分に「ブルース」に聞こえます。
もちろん「コードトーン」を意識することにより幅広い表現も可能です。

「コードトーン」とはコードの構成音の事です。Cのコードであればド、ミ、ソです。
C m7であればド、ミ♭、ソ、シ♭となります。
また「コードトーン」とは伴奏で鳴っている音なので絶対に外れない音です。(麻雀でいう「安全牌」の様な感じです 笑)ですから「コードトーン」を多く使う事により「コード感のあるアドリブ(フレーズ)」が可能となります。
ただ上手く「コードトーン」を使えるまでにはかなりの練習が必要です。


ではどの様な練習が必要か?


1、「コードトーン」を覚える。

まずは「覚える」これです。(笑)
覚えるコードタイプは、
M7、m7、7、m7♭5の4タイプです。
それぞれ5弦をルートとしたパターンと6弦をルートとしたパターン、2種類を覚えます。4タイプ✖️2種類なので8個覚える事になります。


2、覚えた「コードトーン」をルート以外から弾く。

「コードトーン」の練習をしていると、どうしても「ルートから弾く」という事に固執しがちです。ルート以外の音から自由に展開出来ると良いです。ちなみにこれは「指板上でコードトーンが見える!」となる為の練習です。


3、実際の伴奏で弾く!

これは2番の練習と兼用でかません。
最初は一つのコードの伴奏上で練習します。ただ「コードトーン」は音が少ないのですぐ飽きます。(笑)4つぐらいのコードで練習すると良いです。(CM7、A7、Dm7、G7の様な感じです)
注意事項としては「コードトーンしか使用してはいけない」というルールにする事です。また、一つリズムを作って、そのパターンを崩さないように「コードトーン」を綴っていくのも練習になります。(例として、タタータ、ター。8分音符、4分音符、8分音符、2分音符の組み合わせ)

次回に続く、、、
こんにちは。
今回は「ロックギターでのコード」というテーマで書いていきます。
ギターはもともと伴奏楽器です。(クラシックギターは例外ですが)ですから「伴奏」というのがとても大切です。だから「コードを弾ける!」というのはギターにとって「まず最初に出来なくてはいけないスキル」となるわけです。

私の教室では「体験レッスン」をやっていますがロックギター志望の方で「コードが苦手」という人は意外と多いような気がします。単音でのソロはよく弾けて指も動くのでが、「伴奏」になると「実はコードあまり覚えていません、、、」とおっしゃる方意外といます。

ロックギターでコードを練習する時問題になるのが、「パワーコード」から覚えるのか「普通のローコード」から覚えるのか?という事です。
「パワーコード」というのは6弦と5弦もしくは5弦と4弦の2本の弦だけを押さえるコードです。(3本の弦を押さえるパワーコードもあります)
このコードはロックの曲でよく使われているので、実践的なコードです。同じ形をずらすだけでコードが変われるので、便利なコードです。ただ2本の弦の音しか出ていない為、ルートの音と5度の音しか鳴っていません。コードというのは3度の音で「メジャー」か「マイナー」を決定します。パワーコードの場合敢えてこの3度の音を抜いています。でから和声が単調になる欠点は有ります。しかし「ルート」と「5度」のヘビーなサウンドはロックならではの音です。そして、ディストーション等で歪ませた「パワーコード」は重圧感がありロックそのものです。

ただ「パワーコード」は普通のコードに対して亜流なってしまうのは事実です。やはり曲のコード(和声)は「メジャー」や「マイナー」や「セブンス」がある方が普通です。
ですから「ロックギター」でも「ローコード」からしっかりと覚え、練習していく必要があります。もちろん「パワーコード」も弾けるようにするのは当然です。

体験レッスンに来られる方の中にはとてもテクニックがあり、早弾きなどが凄い方がいらっしゃいます。そんな方が「コードが殆ど弾けない!」とおっしゃっるのも事実です。
ただこのような方も教室に入会し、コードの重要性を再認識し、更に上達されていきます。


ある程度弾ける方にとっては「今更コード練習なんて、、」と思われるかもしれませが、「ギターはまずコードです」そしてまずは「ローコード」です。
コード練習頑張りましょう!

また次回^_^
こんにちは。
今回は「小節のサイズ感覚」というテーマで書いていきます。
まずはこの「小節のサイズ感覚」とは何者?という疑問から説明します。
例えば、あなたがCメジャースケールを使って適当に弾くとします。(Dドリアンスケールなど、スケールはなんでも構いません)
さて、いま弾いたフレーズは何小節でしょうか?

これが「サイズ感覚」です。要するに「適当にスケールを弾いても4小節なり8小節の感覚を感じて弾く」という事です。2小節位だと比較的「小節のサイズ」を感じる事が楽ですが4小節、8小節となると「小節のサイズ」を見失ってしまいがちです。
アドリブが上手い方は、この「小節のサイズ感覚」を持っている気がします。
この感覚は自分が弾いているフレーズ等だけに意識があるとダメです。フレーズを弾きながら「今、どの小節なのか?」というのを常に意識していなければならないのです。コツとしては「足を踏み、ビートを感じて弾く」という事です。慣れれば感覚的に出来るようになり。

まずは2小節の感覚と、4小節の感覚を感じるようにしましょう。

実はこの「小節のサイズ感覚」を練習出来るおススメ曲があります。
それは「ソーホワット」(So what)これはMiles Davisが作曲したモードジャスの名曲です。この曲はコードが2個しかありません。
(Dm7とD#m7)32小節で1コーラスです。最初の16小節がDm7で次の8小節がD#m7最後の8小節がまたDm7というコード進行です。スケールはDm7ではDドリアンスケール、D#m7ではD#ドリアンスケールを使います。
本来、この曲の様な「モード系」の曲はスケールを変化(変更)させたりして、アドリブラインを作り、通常の「コード分解」の様な「和声に乗っかったフレーズ」を拒絶する考えから生まれました。ですが今回はその様な考えは無視して「小節サイズの感覚を向上する曲」として使用します。(笑)

実際に練習してみるとわかると思いますが、ただ漫然とドリアンスケールを弾いていると、あっという間に小節を見失ってサビに入ってしまいます。(笑)常に「今、どの小節なのか?」という意識が大切です。この時、4小節や8小節のサイズ感覚があると、小節を見うしなう事がなく、進行していけます。

実は「ソーホワット」は難曲です。
私もライブ等で「小節を見失って」慌てた事があります。(笑)

練習して「小節のサイズ感覚」が発達していくと、とても演奏の助けになります。頑張りましょう!

また次回^_^
こんにちは。
今回は「繰り返し記号」について書いていきます。
「実際の演奏で大事な事は?」という質問があったとします。例えば、ボーカルの人から譜面を渡された状態とします。
まず気をつける事とは?

いろいろな答えがあると思いますが。まずは「進行」です。要するにどこを繰り返すのか?どういう順序で進むのか?これは本当に大事です。もちろんその曲の「Key」なども大事な事ですが、「進行」を間違えると曲自体が崩壊します。(一人でサビに入ったりすると大顰蹙です)(笑)

私も苦い経験が多々あります、、
譜面を渡された時に落ち着いて「進行」を確認すれば問題ないはずなのですが、ついつい「繰り返し記号」を見落としてしまいます。
実際の演奏では「コードを間違える!」なんて大した事では無いのです。それより「進行」を間違える方がまずいのです。特に「デュオ」の場合などは、すぐ正常な進行に戻れないと大変です。また、知らない曲の場合、繰り返しを間違えた事自体がわからず、ズレたまま曲が進行していく、、、なんて事もあります。

ではどこに気をつけるのか?

気をつける事としては大きく3つです。
1、1カッコ、2カッコ
2、ダルセーニョ、ダカーポ
3、コーダマーク

この3つは非常によく楽譜に出で来ます。特に1の「1カッコ、2カッコ」については3カッコ、4カッコなどの表記もあるので「どこに戻るのか?」をすぐ確認する必要があります。
2のダルセーニョは「D.S」と書きます。意味は「セーニョマークに戻る」です。(セーニョマークはSの様なマーク)
ダカーポというのは「初めに戻る」です。表記は「D.C」です。
コーダというはその曲の「終結部」という意味です。ですから曲の最後の部分に使われる記号です。(「to coda」から「coda」に進みます。)

実は、このような「反復記号」などを使わずに譜面を作成する事は出来ます。しかし譜面自体がとても長くなり見づらくなります。また譜面を作成する段階でケアレスミスが発生する可能性が増えます。ですから譜面をコンパクトにまとめるには「反復記号」がとても大事です。

「反復記号」を見落とさない練習方法としては「歌本」などを使って、フルコーラス練習する事です。(必ず「反復記号」が出てきます)
しばらく、このような練習をすると譜面を見たら「反復記号」を確認する癖がついてきます。

これは余談ですが、jazzの場合、譜面に「エンディング3回繰り返す」などと書いてあっても、その場の雰囲気などが優先するので2回になったりします。(笑)このあたりも「アドリブ」主体の音楽ならではですね。

また次回^_^


こんにちは。
今回は「ツーファイブの練習に最適な曲は枯葉!」というタイトルで書いていきます。
ジャスギターを勉強してる方で最もポピュラーなスタンダードナンバーは?答えは「枯葉」です。

ある程度ジャスギターを勉強した方で「枯葉」を弾いた事が無いという方はいないと思います。「アドリブは枯葉に始まり枯葉で終わる」なんていう言葉もよく聞かれます。
実は「枯葉」はツーファイブの練習に最適なのです。

*そもそもツーファイブとは?

「ツーファイブ」というのはそのKeyのダイアトニックコードの2番目のコード(Ⅱm7)と5番目(Ⅴ7)のコードの進行です。解決する場合はそのあと1番目のCが続きます。例えばKeyがCの場合「Dm7、G7、C」になります。またKeyがCmの場合は「Dm7♭5、G7、Cm」となります。要するにメジャー系に解決する場合とマイナー系に解決する場合の2通りがあるわけです。(解決しないツーファイブもあります)

*「枯葉」はメジャー系ツーファイブとマイナー系ツーファイブがある。

「枯葉」の場合オリジナルKeyがGmなので「ツーファイブ」は「Am7♭5、D7、Gm」になります。また最初のコードが、「Cm7、F7、B♭」でこれはKeyB♭の「ツーファイブ」になっています。(正確にはKeyGmのⅣmとⅦ♭7)
それぞれのツーファイブは使用するスケールが違うので練習になります。

*フレーズを考える余裕がある。

「枯葉」の最初の8小節は、Cm7、F7、B♭、E♭、Am7♭5、D7、Gm、G7
です。出だしの「Cm7、F7、B♭」のメジャー系ツーファイブの後の「E♭」がとても大切で次の「Am7♭5、D7、Gm」のフレーズを考える余裕が出来ます。

*基本的にはGmのダイアトニックコードで出来ている。

これは「最悪Gm一発でも大丈夫」という事です。要するにGmスケールやGのブルーノートペンタトニックスケールで弾けてしまう訳です。(ノンダイアトニックコードが無い訳ではありません)

*みんなが知ってる曲!

これは意外と重要な事です。セッション等で演奏する時、「枯葉」を知らない方はほとんどいないと思います。セッション等に参加しやすい曲といえます。

ジャズでは「ツーファイブ」がとても大事です。「ツーファイブ」が無いスタンダードナンバーは存在しないと言っても過言ではありません。
ですから、いかにツーファイブをカッコ良く弾けるかがジャスにおけるポイントです。

また次回
こんにちは。
今回は「エチュード」について書いていきます。
私の教室では(クラシックギター)教本として「教室用ギター教本」(小原安正先生)を使っています。俗に青本と呼ばれていて昔から教室等で使われている教本です。(知り合いの講師の方なども使っています)
クラシックギターを勉強する上で「教本」はとても大事なのですが、ある程度テクニックを習得したら「エチュード」と並行する必要があります。
実はある意味で「教本」より「エチュード」の方が大事なのです。「エチュード」というのは「練習曲」という意味です。1曲、1曲にそれぞれテーマがあります。例えば、スケールをテーマにした曲、アルペジオをテーマにした曲、スラーをテーマにした曲、など、、いろいろあります。
「エチュード」の良いところは「曲として楽しみながら、アルペジオなどの技術練習が出来る」というところです。ただし自分の苦手とする技術がテーマになっている場合は曲の仕上げまでにかなりの時間がかかります。

ではどんな「エチュード」があるか?

まずは「カルカッシ25のエチュード」これはとても有名なエチュードです。クラシックギターを勉強する上で必須のエチュードです。全音楽譜出版社のものがよく使われています。運指等は好みがあると思いますがとても良いエチュードです。1曲、1曲が何の技術を習得する為の曲かが明確です。しかも曲がいいです。ただ難易度順にはなっていないところがあります。ちなみに7番が有名です。

次は「セゴビア編による ソル20の練習曲」これもとても有名なエチュードです。今は出版社が変わり(現代ギター)CD付きで出版されています。
ソルのエチュードからセゴビアが選んだ20曲のエチュード集です。内容は比較的難しいです。「演奏会用練習曲」に値するような曲も多いです。

「コスト25のエチュード」これも勉強しました。私は輸入楽譜でやりましたが、全音楽譜出版社でも出版されています。コストの時代はロマン派にあたり和声が複雑になります。
仕上げるのにとても時間がかかりました。

「ヴィラ・ロボス12の練習曲集」これも有名です。イエペスが全曲収録しています。特に1番はディミニッシュコードの連続でなんとも言えない雰囲気です。11番、12番もおススメです。(12番を最初聴いた時は衝撃でした)

「エチュード集」はCDになっているものもあります。音源を参考にしながら練習するのもいいと思います。

また次回^_^



こんにちは。
前回の続きです。「ライブでの注意事項(大所帯バンド)」の第2弾です。
今回は現場(お店)についてからの話になります。

1、立ち位置の確認

自分がどの場所で演奏するのかは、とても大事です。トリオなどの少ない編成ですと自動的に決まってしまいます。(ステージの広さによりますが)が、今回のバンドは8人もいますので、各自適当にステージに立つと、お客さんから全く見えない人や、ステージからはみ出してしまう人が出てしまいます。
基本的にドラムとピアノは、既に位置が決まっていますので、後のメンバーで場所の取り合いになります。(笑)
まずは、フロントと言われる楽器、主に管楽器がステージのセンターになる事が多いです。ただ今回のバンドは管楽器だけで3人もいます!既にセンターは満席です。

実は管楽器やピアノがいるバンドの場合、ギターのポジションというのは微妙です。私的には「準フロント」と考えています。(笑)

また、ギターの場合ネックの影響で意外とスペースを取ります。ネックを横にするフォームだと1.5人位のスペースを取ってしまいます。ですから今回のステージでは体の向きが斜めに構える状態になりました。(笑)

2、譜面台を使うのか?

私はなるべく「ライブ」は暗譜で演奏するようにしています。(歌の伴奏は譜面を見ます!)以前、師匠に「譜面台があると、ギターを弾いている指がお客さんから見え無いので、なるべく暗譜する事!」と言われた事があり、なるべく暗譜を心がけています。ただ「ジャムセッション」のような状況になり譜面を渡される事もあるので譜面台をすぐ出せる状態にしておくといいです。

3、ソロを長くやりすぎない!

「大所帯バンド」では、1人、1人のソロが長いと1曲がとんでもない時間になります。(笑)1曲10分なんてザラです。ステージでの曲数が少なければいいのですが、曲が多いと時間内に演奏を終わらせる事が出来なくなります。

4、ピアノがいる場合のギターの伴奏は控えめに。

これには、いろいろな意見があると思います。ただ一般的には「伴奏のメインはピアノ」という認識が大勢です。

5、イントロ、エンディングはピアノかギターか?

これも事前にに確認しておくといいと思います。基本的にはピアノがやる事が多いですが、ボサノバ等はギターが映えます。

6、曲順の確認

セッション的なライブではその場で曲を決めたりしますが、それ以外では「セットリスト」沿って曲が進んでいきます。メンバーに「次の曲なんだっけ?」と聞かないようにしたいですね。(自分に言い聞かせています。笑)

適当な事をダラダラ書いてしまいました、、、が、やはり「バンド」は楽しいですね!

また次回^_^
こんにちは。
先週の土曜日にjazzライブがありました。このバンドは何と8人編成です。私はギターとウクレレで参加しました。
今回は私自身の反省を含め、「ライブでの注意事項!」というのを書いていきます。

1、時間の確認
これはもっとも基本です。「ライブの日程を勘違いしている!」という笑えない話は実際あります。
私も「メンバーが勘違い!」と「私、自身が勘違い!」2つとも経験済みです。(笑)(多大な迷惑をかけた事あります、、反省)
「入り時間」の確認も重要です。遅刻すると、リハが出来なかったり、最悪、本場ギリギリまでメンバーを待たせ、大顰蹙になります。(意外と普通にあったりします。笑)
あと、「終了時間の確認」も大事です。車の場合は問題無いのですが、電車の場合、「終電の時間までに終わるのか?」万一終電に間に合わずタクシーになった場合、その日のギャラは吹っ飛びます。(逆にマイナスです。笑)実は私も深夜ギターを背負って東陽町から葛西まで歩いた事が何度かあります。(終電は東陽町止まり)


2、駐車場の確認
これも大事です。郊外のお店では駐車場を完備している場合が多いのですが、都内では難しいです。近くの駐車場をネットなどで確認しておくと安心です。せっかく早めにお店に到着したのに駐車場探しで時間をかけてしまう事は多いものです。


3、店までの移動時間の確認
電車利用の場合は問題無いのですが、車の場合、渋滞等を考慮する必要があります。(特に千葉)何度か行っているお店の場合は時間の検討がつきますが、初めてのお店の場合、難しい場合が多いです。とにかく早めに出発する事です。

4、楽器の確認(特にアンプ)
事前に楽器の確認をするのは当然です。特に弦の確認は必須です。「本番で弦が切れる!」というのは普通にある事です。もう一つ大事な確認は「店にアンプがあるのか?」
普段からライブをやってるライブハウス等では問題無いのですが、それ以外の場合(通常はレストランでイベントの時にバンドを入れる等)ではアンプ持参となります。当然、電車利用から車の変更も考えなくてはいけません。

5、「あいさつ」は必須!
これは、演奏以前の事です。店や現場に到着したらまずは、店のマスターやメンバーに「あいさつ」です。当日の演奏に不安があったとしても「あいさつ」から始まるコミュニケーションにより軽減されていくはずです。
バンドはコミュニケーションがとても大事です。集中力を高める為、あえて、無口でいるのはいいと思いますが、自分の殻に閉じこもってバリヤーを作ってしまう様だと「難しい人」とメンバーから思われてしまいます。(笑)

次回は実際のステージ上での注意事項です。
こんにちは。
今回は「a(右手薬指)を鍛える!」というテーマで書いていきます。
「aの指は動きが悪く苦手!」という方は意外と多いです。
ここで予備知識とし右手の名称を書いておきます。

iは人差し指
mは中指
aは薬指
pは親指
小指は通常使いません。

もともと古典と言われる時代、クラシックギターだとフェルナンド・ソルあたりの時代になるのですが、右手は、3本の指(p、i、m)が基本だったらしいのです。aの指は使わないのでは無く、補助的な役割だったようです。ただし、現在のクラシックギター、フォークギターではaの指は普通に使います。
右手の指の中では(小指を除いて)aの指が1番動きが悪いです。(稀にmの方が動かないという方もいます)
そして、この動かないaの指が実際の演奏では大活躍します。(笑)

大抵、アルペジオや和音などで1番目立つ1弦を担当する指はaです。要するに「1番動きの悪いaの指が1番目立つ1弦を担当する!」という矛盾が発生します。

ではどうすればいいか?

答えは「練習」しかありません(笑)
「そんな事は分かっているよ!」と言われそうですが、、
そこでaを鍛えるポイントを考えていきます。実は普通に練習していても
案外aは鍛えられていなかったりします。アルペジオの練習などでもaの指は力の強いp、i、mなどに引っ張られて動く感じになりやすいです。ですからaに特化した練習が必要です。もともとiの指などは普通の生活で使っている指です。ですから練習しなくても動くのです。その点aは練習しないと全然動きません。

練習のポイントとして「意識する」これが大事です。アルペジオでも「いま、aが1弦を弾いた」という意識です。常にaの動きを意識するのです。実際の練習としては、aを含むアルペジオでaの指にアクセントをつけるようにします。アクセントをつけることにより「aの指を意識する」という意識が生まれます。

次は「aに筋力をつける」という練習の例です。これも難しい事はしません、「アルペジオの時、aの指をアポヤンドする」これだけです。ポイントは、「他の指の力を抜いてaをアポヤンドする」という事です。いずれにせよ「ゆっくり練習」がポイントです。
あと音階練習ではm、i交互よりm、a交互をより多くやりましょう。m、a交互ではスピードが上がらずイライラしますが我慢して練習を続けていると段々と早く弾けるようになっていきます。
いずれにせよポイントは「aの指の動きの意識」です。

また次回^_^